Kino Talk

[spider2000]

vor 30 Minuten schrieb Black Eagle:

es geht wohl eher um das Jenseits...mal schauen was nolan da wieder fabriziert hat ^^

@R123Rob

inception wird sein bester film bleiben. daher ist es auch einfach immer wieder das konzept zu kopieren

 

die kleinen treten in dem film ja praktisch das erbe der ghostbusters an... finde es aber auch geil, die ganzen sachen wie die ghosttrap oder eben Ecto-1 nach der langen zeit mal wieder zu sehen - scheinbar hat man ja aus dem gescheiterten versuch den film mit frauen zu machen endlich mal gelernt

ich finde es klasse das es teenager sind, so ist es gleichzeitig auch ein Coming of Age film, ich liebe das genere, wenn es gut gemacht ist. lassen wir uns überraschen.

[President Evil]

Der Ghostbusters Trailer gefällt mir zwar, aber gleichzeitig stimmt er mich auch sehr skeptisch.

Ghostbusters sollte, meiner Meinung nach, absolut nicht zu einem Coming of Age Produkt werden.

Ich denke auf den 'Erwachsenen Humor' des ersten Teils sollte man eher nicht hoffen.

 

[vangus]

Übrigens, wenn es um IMAX 70mm Filme geht wie von Nolan oder auch um 70mm generell, hier die kompletten Infos über die verschiedenen Formate, warum IMAX nicht gleich IMAX ist und warum ihr Nolans Filme noch nie in voller Pracht und bestimmt nur abgeschnitten gesehen habt:

https://www.moviepilot.de/news/wo-konnt-ihr-dunkirk-in-70-mm-imax-sehen-und-was-sind-die-vorteile-192567

Richtig guter Artikel.

Bearbeitet 20. Dezember 2019 von vangus

[Gast]

Na ja. Das wars dann wohl. Wenn das so ist, kann man nur Danke schreiben für diese großartigen Werke, die er uns über all die Jahrzehnte hinterlassen hat und die man immer wieder genießen kann. 👍👏🔫🎥

 

 

[Buzz1991]

Wobei diese Aussage merkwürdig ist, läuft The Irishman ja auch und hauptsächlich auf Netflix und nicht im Kino bzw. nur in ausgewählten Regionen. 

[President Evil]

vor 17 Minuten schrieb Buzz1991:

Wobei diese Aussage merkwürdig ist, läuft The Irishman ja auch und hauptsächlich auf Netflix und nicht im Kino bzw. nur in ausgewählten Regionen. 

Trotzdem grosses Kino

[vangus]

vor 4 Stunden schrieb Buzz1991:

Wobei diese Aussage merkwürdig ist, läuft The Irishman ja auch und hauptsächlich auf Netflix und nicht im Kino bzw. nur in ausgewählten Regionen. 

Weil er keine Wahl hatte. Er hat sich laut eigenen Aussagen lieber für Netflix entschieden, als den Film gar nicht machen zu können. Was soll er denn machen, wenn die anderen Studios ihn nicht finanzieren wollen? Netflix hat ihm mit offenen Armen empfangen, hat selbst dieses Mega-Budget zusammengekratzt, Scorsese hatte Freiheit, für einen Filmemacher ist das in erster Linie das Wichtigste, den Film überhaupt so machen zu können, wie er es sich vorstellt. Der Künstler hat sein Werk vollendet, er existiert auf Film, er wurde im Kino gezeigt, auch in Deutschland hatte jeder die Chance in den Hauptstädten.

Wer Scorsese kennt, weiß, dass er innerlich trauert wegen der Kinosituation, es war ein notwendiger Kompromiss. Er liebt das Kino so dermaßen, das können viele nur nicht verstehen, viele können auch deshalb seine Aussagen über Marvel-Filme nicht verstehen.

Filme wie "Fahrraddiebe", das ist Kino. Wer das begreift, begreift auch Scorsese.

[Gast]

 

[President Evil]

vor 19 Stunden schrieb vangus:

Wer Scorsese kennt, weiß, dass er innerlich trauert wegen der Kinosituation, es war ein notwendiger Kompromiss. Er liebt das Kino so dermaßen, das können viele nur nicht verstehen, viele können auch deshalb seine Aussagen über Marvel-Filme nicht verstehen.

Filme wie "Fahrraddiebe", das ist Kino. Wer das begreift, begreift auch Scorsese.

Ich vergöttere Scorsese aber ich finde seine Aussagen bezgl. Marvel unpassend konservativ von ihm.

Ich meine ganz früher, vor Scorseses Zeit  ( und vor meiner Geburt) war die Kinosituation ja auch die, dass ein 'Sandalen-Blockbuster' nach dem anderen rauskam. Jeder grösser und pompöser als der zuvor. Bis es den Leuten zum Hals raushing. Die allgemeinen Kinobesuchszahlen schwanden.

Dann kam Scorsese (u.A.) und hatten das Kino revolutioniert mit Gangster- und Urbandramen/Thrillern und dem Kino neues Leben eingehaucht.

Jahrzehnte später, in der Zeit des Heimkinos und stark rückläufigem Box-Office,  haben Superhelden-Filme das Kino ebenfalls neu belebt und die Massen wieder in die Kinosäle gelockt.

Das Genre muss ihm nicht gefallen - Aber er sollte das Prinzip eigentlich besser verstehen.

Wie die Sandalen- Western oder Gangsterfilme werden auch die Superhelden wieder verschwinden, aber sie halten das Kino momentan am Leben. Und das ist das Allerwichtigste.

 

 

Bearbeitet 23. Dezember 2019 von President Evil

[vangus]

@Presiden Evil

Du verstehst es leider nicht, genauso wie die meisten anderen auch. Es geht um die Kunst, es geht um das, was Kino bedeutet, was Kino ausmacht.

Scorsese hat dazu extra ein Statement in den New York Times veröffentlicht, das sollten sich alle durchlesen, er liefert wirklich alle Antworten und erklärt haargenau die derzeitige Situation. Er spricht mir aus der Seele...

Hier Scorseses Statement im Original (Englisch):

Zitat

When I was in England in early October, I gave an interview to Empire magazine. I was asked a question about Marvel movies. I answered it. I said that I’ve tried to watch a few of them and that they’re not for me, that they seem to me to be closer to theme parks than they are to movies as I’ve known and loved them throughout my life, and that in the end, I don’t think they’re cinema.

Some people seem to have seized on the last part of my answer as insulting, or as evidence of hatred for Marvel on my part. If anyone is intent on characterizing my words in that light, there’s nothing I can do to stand in the way.

Many franchise films are made by people of considerable talent and artistry. You can see it on the screen. The fact that the films themselves don’t interest me is a matter of personal taste and temperament. I know that if I were younger, if I’d come of age at a later time, I might have been excited by these pictures and maybe even wanted to make one myself. But I grew up when I did and I developed a sense of movies — of what they were and what they could be — that was as far from the Marvel universe as we on Earth are from Alpha Centauri.

For me, for the filmmakers I came to love and respect, for my friends who started making movies around the same time that I did, cinema was about revelation — aesthetic, emotional and spiritual revelation. It was about characters — the complexity of people and their contradictory and sometimes paradoxical natures, the way they can hurt one another and love one another and suddenly come face to face with themselves.

It was about confronting the unexpected on the screen and in the life it dramatized and interpreted, and enlarging the sense of what was possible in the art form.

And that was the key for us: it was an art form. There was some debate about that at the time, so we stood up for cinema as an equal to literature or music or dance. And we came to understand that the art could be found in many different places and in just as many forms — in “The Steel Helmet” by Sam Fuller and “Persona” by Ingmar Bergman, in “It’s Always Fair Weather” by Gene Kelly and Stanley Donen and “Scorpio Rising” by Kenneth Anger, in “Vivre Sa Vie” by Jean-Luc Godard and “The Killers” by Don Siegel.

Or in the films of Alfred Hitchcock — I suppose you could say that Hitchcock was his own franchise. Or that he was our franchise. Every new Hitchcock picture was an event. To be in a packed house in one of the old theaters watching “Rear Window” was an extraordinary experience: It was an event created by the chemistry between the audience and the picture itself, and it was electrifying.

And in a way, certain Hitchcock films were also like theme parks. I’m thinking of “Strangers on a Train,” in which the climax takes place on a merry-go-round at a real amusement park, and “Psycho,” which I saw at a midnight show on its opening day, an experience I will never forget. People went to be surprised and thrilled, and they weren’t disappointed.

Sixty or 70 years later, we’re still watching those pictures and marveling at them. But is it the thrills and the shocks that we keep going back to? I don’t think so. The set pieces in “North by Northwest” are stunning, but they would be nothing more than a succession of dynamic and elegant compositions and cuts without the painful emotions at the center of the story or the absolute lostness of Cary Grant’s character.

The climax of “Strangers on a Train” is a feat, but it’s the interplay between the two principal characters and Robert Walker’s profoundly unsettling performance that resonate now.

Some say that Hitchcock’s pictures had a sameness to them, and perhaps that’s true — Hitchcock himself wondered about it. But the sameness of today’s franchise pictures is something else again. Many of the elements that define cinema as I know it are there in Marvel pictures. What’s not there is revelation, mystery or genuine emotional danger. Nothing is at risk. The pictures are made to satisfy a specific set of demands, and they are designed as variations on a finite number of themes.

They are sequels in name but they are remakes in spirit, and everything in them is officially sanctioned because it can’t really be any other way. That’s the nature of modern film franchises: market-researched, audience-tested, vetted, modified, revetted and remodified until they’re ready for consumption.

Another way of putting it would be that they are everything that the films of Paul Thomas Anderson or Claire Denis or Spike Lee or Ari Aster or Kathryn Bigelow or Wes Anderson are not. When I watch a movie by any of those filmmakers, I know I’m going to see something absolutely new and be taken to unexpected and maybe even unnameable areas of experience. My sense of what is possible in telling stories with moving images and sounds is going to be expanded.

So, you might ask, what’s my problem? Why not just let superhero films and other franchise films be? The reason is simple. In many places around this country and around the world, franchise films are now your primary choice if you want to see something on the big screen. It’s a perilous time in film exhibition, and there are fewer independent theaters than ever. The equation has flipped and streaming has become the primary delivery system. Still, I don’t know a single filmmaker who doesn’t want to design films for the big screen, to be projected before audiences in theaters.

That includes me, and I’m speaking as someone who just completed a picture for Netflix. It, and it alone, allowed us to make “The Irishman” the way we needed to, and for that I’ll always be thankful. We have a theatrical window, which is great. Would I like the picture to play on more big screens for longer periods of time? Of course I would. But no matter whom you make your movie with, the fact is that the screens in most multiplexes are crowded with franchise pictures.

And if you’re going to tell me that it’s simply a matter of supply and demand and giving the people what they want, I’m going to disagree. It’s a chicken-and-egg issue. If people are given only one kind of thing and endlessly sold only one kind of thing, of course they’re going to want more of that one kind of thing.

But, you might argue, can’t they just go home and watch anything else they want on Netflix or iTunes or Hulu? Sure — anywhere but on the big screen, where the filmmaker intended her or his picture to be seen.

In the past 20 years, as we all know, the movie business has changed on all fronts. But the most ominous change has happened stealthily and under cover of night: the gradual but steady elimination of risk. Many films today are perfect products manufactured for immediate consumption. Many of them are well made by teams of talented individuals. All the same, they lack something essential to cinema: the unifying vision of an individual artist. Because, of course, the individual artist is the riskiest factor of all.

I’m certainly not implying that movies should be a subsidized art form, or that they ever were. When the Hollywood studio system was still alive and well, the tension between the artists and the people who ran the business was constant and intense, but it was a productive tension that gave us some of the greatest films ever made — in the words of Bob Dylan, the best of them were “heroic and visionary.”

Today, that tension is gone, and there are some in the business with absolute indifference to the very question of art and an attitude toward the history of cinema that is both dismissive and proprietary — a lethal combination. The situation, sadly, is that we now have two separate fields: There’s worldwide audiovisual entertainment, and there’s cinema. They still overlap from time to time, but that’s becoming increasingly rare. And I fear that the financial dominance of one is being used to marginalize and even belittle the existence of the other.

For anyone who dreams of making movies or who is just starting out, the situation at this moment is brutal and inhospitable to art. And the act of simply writing those words fills me with terrible sadness.

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Hier Scorseses Statement mit Google Translate ins Deutsche übersetzt (Achtung fehlerhaft):

 

Als ich Anfang Oktober in England war, gab ich dem Empire-Magazin ein Interview. Mir wurde eine Frage zu Marvel-Filmen gestellt. Ich habe geantwortet. Ich sagte, dass ich versucht habe, einige von ihnen zu sehen, und dass sie nicht für mich sind, dass sie mir näher an Themenparks zu sein scheinen als an Filmen, wie ich sie mein ganzes Leben lang gekannt und geliebt habe. und das am Ende denke ich nicht, dass sie Kino sind.

Einige Leute scheinen den letzten Teil meiner Antwort als Beleidigung oder als Beweis für den Hass auf Marvel auf meiner Seite aufgefasst zu haben. Wenn jemand beabsichtigt, meine Worte in diesem Licht zu charakterisieren, kann ich nichts dagegen tun.

Viele Franchise-Filme werden von Menschen mit großem Talent und Können gedreht. Sie können es auf dem Bildschirm sehen. Die Tatsache, dass mich die Filme selbst nicht interessieren, ist eine Frage des persönlichen Geschmacks und Temperaments. Ich weiß, dass ich, wenn ich jünger wäre, wenn ich zu einem späteren Zeitpunkt erwachsen geworden wäre, von diesen Bildern begeistert gewesen wäre und vielleicht sogar selbst eines machen wollte. Aber ich bin damals aufgewachsen und habe ein Gespür für Filme entwickelt - was sie waren und was sie sein könnten -, die so weit vom Marvel-Universum entfernt sind wie wir auf der Erde von Alpha Centauri.

Für mich, für die Filmemacher, die ich liebte und respektierte, für meine Freunde, die zur selben Zeit wie ich mit dem Filmemachen begannen, ging es beim Kino um Offenbarung - ästhetische, emotionale und spirituelle Offenbarung. Es ging um Charaktere - die Komplexität der Menschen und ihre widersprüchlichen und manchmal paradoxen Naturen, die Art und Weise, wie sie sich gegenseitig verletzen und lieben und plötzlich sich selbst gegenüberstehen können.

Es ging darum, das Unerwartete auf der Leinwand und im Leben zu konfrontieren, es zu dramatisieren und zu interpretieren und den Sinn für das zu erweitern, was in der Kunstform möglich war.

Und das war der Schlüssel für uns: Es war eine Kunstform. Damals gab es eine Debatte darüber, und so haben wir uns für das Kino eingesetzt, das Literatur, Musik oder Tanz gleichwertig ist. Und wir haben verstanden, dass die Kunst an vielen verschiedenen Orten und in ebenso vielen Formen zu finden ist - in "The Steel Helmet" von Sam Fuller und "Persona" von Ingmar Bergman, in "It's Always Fair Weather" von Gene Kelly und Stanley Donen und "Scorpio Rising" von Kenneth Anger, in "Vivre Sa Vie" von Jean-Luc Godard und "The Killers" von Don Siegel.

Oder in den Filmen von Alfred Hitchcock - ich nehme an, man könnte sagen, dass Hitchcock sein eigenes Franchise war. Oder dass er unser Franchise war. Jedes neue Hitchcock-Bild war ein Ereignis. In einem überfüllten Haus in einem der alten Theater „Rear Window“ zu sehen, war ein außergewöhnliches Erlebnis: Es war ein Ereignis, das von der Chemie zwischen Publikum und Bild selbst geschaffen wurde und das elektrisierte.

In gewisser Weise glichen bestimmte Hitchcock-Filme auch Themenparks. Ich denke an „Fremde in einem Zug“, in dem der Höhepunkt auf einem Karussell in einem echten Vergnügungspark stattfindet, und an „Psycho“, das ich anlässlich einer Mitternachtsshow am Eröffnungstag gesehen habe, ein Erlebnis Ich werde nie vergessen. Die Leute waren überrascht und begeistert und wurden nicht enttäuscht.

Sechzig oder 70 Jahre später schauen wir uns diese Bilder immer noch an und staunen über sie. Aber ist es der Nervenkitzel und die Schocks, zu denen wir immer wieder zurückkehren? Das glaube ich nicht. Die Versatzstücke in "North by Northwest" sind atemberaubend, aber sie wären nichts anderes als eine Abfolge dynamischer und eleganter Kompositionen und Schnitte ohne die schmerzhaften Emotionen im Zentrum der Geschichte oder die absolute Verlorenheit von Cary Grants Charakter.

Der Höhepunkt von "Strangers on a Train" ist ein Kunststück, aber es ist das Wechselspiel zwischen den beiden Hauptcharakteren und Robert Walkers zutiefst beunruhigender Leistung, die jetzt nachhallt.

Einige sagen, dass Hitchcocks Bilder eine Ähnlichkeit mit ihnen hatten, und vielleicht stimmt das - Hitchcock selbst hat sich darüber gewundert. Aber die Gleichheit der heutigen Franchise-Bilder ist wieder etwas anderes. Viele der Elemente, die das Kino so definieren, wie ich es kenne, sind in Marvel-Bildern enthalten. Was nicht da ist, ist Offenbarung, Geheimnis oder echte emotionale Gefahr. Nichts ist gefährdet. Die Bilder werden gemacht, um eine Reihe von Anforderungen zu erfüllen, und sie werden als Variationen einer endlichen Anzahl von Themen entworfen.

Sie sind Fortsetzungen im Namen, aber im Geiste sind sie Remakes, und alles in ihnen ist offiziell sanktioniert, weil es nicht wirklich anders sein kann. Das ist das Wesen moderner Film-Franchise-Unternehmen: Marktforschungen, Publikumsprüfungen, Überprüfungen, Modifizierungen, Überarbeitungen und Umbauten, bis sie zum Verzehr bereit sind.

Ein anderer Ausdruck wäre, dass sie alles sind, was die Filme von Paul Thomas Anderson oder Claire Denis oder Spike Lee oder Ari Aster oder Kathryn Bigelow oder Wes Anderson nicht sind. Wenn ich mir einen Film von einem dieser Filmemacher anschaue, werde ich etwas absolut Neues sehen und in unerwartete und vielleicht sogar unbenennbare Erfahrungsbereiche entführt. Mein Gespür dafür, was beim Erzählen von Geschichten mit bewegten Bildern und Tönen möglich ist, wird erweitert.

Sie fragen sich vielleicht, was ist mein Problem? Warum nicht einfach Superheldenfilme und andere Franchisefilme sein lassen? Der Grund ist einfach. An vielen Orten in diesem Land und auf der ganzen Welt sind Franchise-Filme Ihre erste Wahl, wenn Sie etwas auf der großen Leinwand sehen möchten. Es ist eine gefährliche Zeit in der Filmausstellung, und es gibt weniger unabhängige Theater als je zuvor. Die Gleichung ist umgedreht und Streaming ist das primäre Bereitstellungssystem geworden. Trotzdem kenne ich keinen Filmemacher, der keine Filme für die Leinwand entwerfen möchte, die vor dem Publikum in Kinos projiziert werden sollen.

Das schließt mich ein und ich spreche als jemand, der gerade ein Bild für Netflix fertiggestellt hat. Alleine dadurch konnten wir "The Irishman" so machen, wie wir es brauchten, und dafür bin ich immer dankbar. Wir haben ein Theaterfenster, was großartig ist. Möchten Sie, dass das Bild für längere Zeit auf größeren Bildschirmen wiedergegeben wird? Natürlich würde ich. Aber egal mit wem Sie Ihren Film machen, die Bildschirme in den meisten Multiplexen sind mit Franchise-Bildern überfüllt.

Und wenn Sie mir sagen, dass es nur um Angebot und Nachfrage geht und den Menschen das geben, was sie wollen, dann bin ich anderer Meinung. Es ist ein Henne-Ei-Problem. Wenn die Leute nur eine Art von Dingen bekommen und endlos nur eine Art von Dingen verkaufen, werden sie natürlich mehr von dieser einen Art von Dingen wollen.

Aber können sie nicht einfach nach Hause gehen und sich auf Netflix, iTunes oder Hulu etwas anderes ansehen, das sie möchten? Sicher - irgendwo anders als auf der großen Leinwand, wo der Filmemacher beabsichtigte, sein oder ihr Bild zu sehen.

Wie wir alle wissen, hat sich das Filmgeschäft in den letzten 20 Jahren an allen Fronten gewandelt. Aber die bedrohlichste Veränderung geschah heimlich und im Schutz der Nacht: die allmähliche, aber stetige Eliminierung des Risikos. Viele Filme sind heute perfekte Produkte, die für den sofortigen Verzehr hergestellt werden. Viele von ihnen werden von Teams talentierter Einzelpersonen gut gemacht. Dennoch fehlt ihnen etwas Wesentliches für das Kino: die einheitliche Vision eines einzelnen Künstlers. Denn natürlich ist der einzelne Künstler der riskanteste Faktor von allen.

Ich will damit nicht sagen, dass Filme eine subventionierte Kunstform sein sollten oder jemals waren. Als das Hollywood-Studiosystem noch am Leben war, war die Spannung zwischen den Künstlern und den Leuten, die das Geschäft führten, konstant und intensiv, aber es war eine produktive Spannung, die uns einige der größten Filme bescherte, die je gedreht wurden - in den Worten von Bob Dylan, die Besten von ihnen, waren "heldenhaft und visionär".

Heute ist diese Spannung weg, und es gibt einige im Geschäft, die der Frage der Kunst und der Einstellung zur Geschichte des Kinos, die sowohl abweisend als auch proprietär ist, absolut gleichgültig gegenüberstehen - eine tödliche Kombination. Leider haben wir jetzt zwei getrennte Bereiche: Weltweite audiovisuelle Unterhaltung und Kino. Sie überlappen sich immer noch von Zeit zu Zeit, aber das wird immer seltener. Und ich befürchte, dass die finanzielle Dominanz des einen genutzt wird, um die Existenz des anderen zu marginalisieren und sogar herabzusetzen.

Für alle, die vom Filmemachen träumen oder gerade erst anfangen, ist die Situation in diesem Moment brutal und für die Kunst unwirtlich. Und das bloße Schreiben dieser Worte erfüllt mich mit schrecklicher Traurigkeit.

Bearbeitet 23. Dezember 2019 von vangus